Kill Bill

Kill Bill, nombre que se podría interpretar como "ajuste de cuentas".  Nació de una simple conversación entre bambalinas que tuvieron Tarantino y Uma Thurman durante el rodaje de ‘Pulp Fiction’, juntos modelaron la idea de un argumento que recogiese la historia de una letal asesina, que tras intentar dejar el negocio para poder llevar una vida normal, es atacada por la banda de su jefe.

Tarantino tardó mucho tiempo en ponerse manos a la obra por varias razones, tras el éxito de ‘Pulp Fiction’ se le ofreció rodar una superproducción, la cual sería ‘Malditos Bastardos’ pero que finalmente quedó aparcada en detrimento de ‘Jackie Brown’. En el año 2000 Tarantino y Uma se reencontraron en los globos de oro y se reactivó el proyecto. Quentin tardó 18 meses en escribir el guion, y cuando ya todo estaba preparado, el rodaje tuvo que retrasarse debido a la maternidad de Uma, a la que Tarantino consideraba insustituible. Finalmente fue en 2003 cuando el proyecto vio la luz.

Nada más empezar la película se nos muestra una referencia a las películas de artes marciales y Yakuza con el logo de ‘’Shaw Brothers’’, estudio cinematográfico chino que se dedicó a hacer películas de éste género durante la década de los 70. También se nos mostraran importantes referencias al ‘Spaghetti western’ y al cine de Sergio Leone.

Para realizar el ambicioso proyecto que fue ‘’Kill Bill’’, el director contó con un reparto de auténtica película de artes marciales como es el caso del mítico David Carradine en el papel de Bill, y de Sonny Chiba en el de Hattori Hanzo.                                    
También hace un cameo en la película Samuel L.Jackson, que tras lo acontecido en “Pulp Fiction” se retiraría de la mafia para dedicarse a donde Dios lo llevara en la vida, por lo que se podría suponer que terminó de organista en esa iglesia de Texas.
La idea de Tarantino era la de narrar la historia en un solo largometraje que duraría alrededor de cuatro horas, pero los productores le exigieron dividir la película en dos volúmenes. Tarantino acepto, y Kill Bill Vol.1 fue estrenada a finales de 2003 mientras que el Vol.2 se estrenó a principios de 2004, con muy poco espacio temporal entre ambos estrenos, además la historia está contada por capítulos, como es típico de Tarantino y la pausa que divide ambos volúmenes es tan leve que los  no se pierde continuidad entre ellas, mientras que Kill Bill Vol. 1 finaliza en el capítulo 5 ‘’Enfrentamiento en la casa de las hojas azules’’ el Vol. 2 empieza directamente en el capítulo 6 ‘’Masacre en Dos Pinos’’.                                                    

Entre los dos volúmenes se aprecia cierta distinción, el primero está mucho más influenciado por las películas de artes marciales, con larguísimas secuencias de combate (40 minutos casi sin descanso dura e enfrentamiento con O-Ren Ishii, en blanco y negro para rebajar la violencia, eso sí.), y menos diálogos de los que son habituales en los films de Tarantino. Por otro lado el Vol.2 es otro tipo de historia, más cercana al cine negro y al western, y menos vinculada a las artes marciales que la primera. Aparte de tener otro tempo y ser más reflexiva,  con muchos más diálogos que su predecesora.                                                                                                
Lo que sí que tienen en común ambas partes es el completo desorden cronológico en la sucesión de la acción, y en la que el espectador tendrá que trabajar más que nunca para ordenar en su cabeza.
El Vol.1 nos narra cómo la protagonista de la cual no conocemos el nombre pero si varios de sus AKA’s: ‘’La novia’’, ‘’Mamba negra’’ despierta de su situación de coma después de que Bill la disparase en la cabeza, y comienza su sanguinaria venganza elaborando una lista del escuadrón Víbora letal de Bill compuesto por: O-Ren Ishii (Lucy Liu), Vernita Green (Vivica A.Fox), Budd (Michael Madsen) y Elle Driver (Daryl Hannah). En éste primer volumen veremos morir a Vernita y a O-Ren Ishii, junto con todos sus secuaces, pero de forma inversa. Mientras que O-Ren es la primera de la lista, la veremos morir al final de la película, y a Vernita, siendo la segunda la veremos ser asesinada en la primera escena.  

              
En este film se permite una experimentación de estilismo poco común en el cine de Tarantino. Reflejada ésta en una larga secuencia de lucha con los ‘88 maníacos’ donde las texturas cromáticas y utilización del blanco y negro juegan un papel importante para la preparación de la pelea final entre 'La Novia' y O-Ren, uno de los encuentros más violentos y hermosos del cine de Quentin, desarrollado en: “La Casa de las hojas azules”.  La escena de la pelea contra los 88 maniacos es un calco de la coreografía de una de las peleas de "puños de furia", de igual forma, el traje que usa la novia en esta escena, es un guiño a "el juego con la muerte" ambas de Bruce Lee.

Cuando la conjunción de géneros y de referencias a la cultura pop llega a su punto más alto estéticamente hablando, es en la espléndida secuencia de animación japonesa que une perfectamente el cine de ‘yakuzas’  con el ‘spaghetti’. El inglés y la lengua oriental se confunden y se reemplaza ingeniosamente a mafiosos por mujeres en su visión feminista de la heroína vengativa y feroz.                                                                

La representación de Tarantino del cine oriental vendría a ser como una película de ‘yakuzas’ y artes marciales dirigida por un extranjero ajeno al mundo que trata de contar.  Quentin ofrece un relato muy simple en lo argumental, pero lo realiza  con minuciosidad, con respeto, lleno de homenajes y acompañado con una música magnífica, obteniendo como resultado final realizar la película que deseaba hacer.

Compone en esta magistral primera parte de su cuarta película una maravillosa experiencia de violencia, núcleo principal en "Kill Bill: Vol. 1". Violencia extrema y salvaje. Como en "Reservoir dogs" y "Pulp fiction", la sangre es mostrada como elemento necesario, sin caer en la trivialidad y basando todo el interés de su aparición en la diversión y sentido del humor. Por eso, la imagen de sadismo, el abundante exceso de sangre y la exageración de los combates desde la perspectiva de Tarantino es necesario mostrarla detenidamente en cada golpe, en cada patada, en cada sablazo de katana y en cada muerte. Por eso, la aparente linealidad de la típica historia de venganza, se invalida con una dirección convertida en una auténtica celebración coreográfica.                                                                                      

Por otro lado el Vol.2 comenzará con un flashback hasta el día del ensayo de la boda de Uma, o mejor dicho de Beatrix Kiddo, de la que ya sabremos el nombre y todo lo que en él aconteció.  La acción saltará directamente desde esta secuencia hasta un monologo en primer plano de Beatrix en el que nos da a entender que ya ha acabado con todos sus objetivos, excepto con Bill, al que al fin conoceremos en persona.                        

Durante este segundo film comprenderemos mucho mejor la relación que guardan Bill y Beatrix, y el hecho que desencadenó la situación actual y que finalizará con la muerte de Bill y el reencuentro de Uma, con su hija B.B. A pesar de que aparentemente los personajes secundarios sean “muy secundarios” y no se profundice demasiado en ellos, cada uno está bien desarrollado y cumple una única función, común a todos ellos: Llevar a Uma Thurman a Bill. Esa es la trama del film después de todo.                                                                                                    
Cabe destacar, por último, el elemento que puede definir "Kill Bill". Y es la muestra de amor de Tarantino por una actriz, por Uma Thurman , que realiza no sólo un verdadero y plausible maratón físico, sino que sabe combinar este rasgo tan poco valorado con una intensidad actoral mostrada en esa escena en que 'La Novia' cree haber perdido a su bebé, manifestado en un llanto desgarrador. Thurman está increíble.
En cuanto a la música, encontramos la presencia de artistas muy variados, sobre los que destaca en mayúsculas el genio Ennio Moriccone, en el recaen la realización de las bandas sonoras de películas como  “El Bueno, el Feo y el Malo” o  “Por unos dólares más”, por citar algunas.  Tarantino también contó con artistas como “Nancy Sinatra”,” Bernard Hermann” o “Luis Bacalov” entre otros compositores, pero también tienen peso los músicos orientales como el grupo de pop que suena durante la fiesta de O-Ren: ‘’The 5.6.7.8’s’’, “Meiko Kaji” o “Zamir Flute Tune”, ninguno de ellos demasiado conocido en el mundo occidental, pero que han dotado a “Kill Bill” de una banda sonora completamente adecuada, es como un traje a medida de las imágenes que se narran en pantalla, a mi parecer al menos un 40% de la película se la debemos al brillante conjunto musical que creó para este film.

Tarantino logró realizar en “Kill Bill” un trabajo fantástico con los movimientos de cámara, sobre los que destacan los realizados en las secuencias de acción, según él, las más difíciles de llevar acabo. Quentin realiza planos rapidos desde ángulos muy diferentes, intercalando planos cenitales de toda una escena con un primer plano de una katana por ejemplo, y todo ello acompasado perfectamente con la música que suena, lo cual le da un verdadero aspecto de sinfonía violenta y en completa concordancia. En las escenas de menos acción, los planos y movimientos de cámara son similiares a los de sus anteriores films, muchísima “Steady Cam”, y largos planos y contra planos en los abundantes diálogos. Algo que me llamo en especial la atención, fue en las cuatro películas que Tarantino había realizado hasta el momento, siempre nos muestra un plano en común: La cámara en el interior de un maletero, haciendo la función de la mirada subjetiva de un personaje hacia otro personaje que abre el maletero en un ángulo contrapicado.

Por último como curiosidades cabe destacar que Tarantino, como en todos sus filmes aparece en la película. Es uno de los 88 maníacos que luchan contra la novia en el restaurante de Tokyo. Debido al antifaz y a la cantidad de luchadores, es difícil identificarlo.

Reservoir Dogs

Un joven Quentin Tarantino se hallaba en plena década de los 90 escribiendo pequeños guiones y actuando en breves capítulos de series de tres al cuarto, hasta que conoció a su mecenas en Hollywood, Scott Spiegel, guionista y director relacionado con el cine fantástico.
Tarantino y Spiegel pronto formaron una gran amistad, y éste le presentó al que sería el productor de Reservoir Dogs durante una barbacoa, Lawrence Bender. En éste contexto y con varias cervezas de más Tarantino le comentó a Lawrence, tras hablar varias horas sobre cine, su idea de un guion a cerca de un atraco en el que todo sale mal. Lawrence le dijo que lo escribiera y que él ya se encargaría de echarle un vistazo.
Lawrence tras leer el guion que declaró como: ‘’El mejor guion que he leído en mi vida’’, se ofreció a ayudar a Tarantino en sus ideas de rodar la película con 30.000$, en 12 días y con actores amateur, y le ofreció un contrato para co-producir la película e interpretar el papel de Nice Guy Eddie.
Bender comenzó a mover el guion entre sus amistades, hasta que encontró en el famoso Monte Hellman, el co productor que necesitaban, y en  Richard N. Gladstein, la parte más importante de la financiación que estuvo dispuesto a proporcionarles sin tocar ni un ápice del guión.
El reparto se consiguió gracias a la fascinación que el guión produjo en Harvey Keitel, y a la contratación de actores por entonces desconocidos: Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi, Chris Penn, Lawrence Tierney, Eddie Bunker, Kirk Baltz, Randy Brooks, que más tarde se harían más famosos, y anecdóticos papeles para los propios encargados del film, como Lawrence Bender, Rich Turner o el propio Tarantino. George Clooney, James Woods y Vincent Gallo fueron algunos de los actores que trataron de entrar en el film. Pero con poco caudal de presupuesto, Tarantino optó por un elenco no tan conocido, pero altamente explosivo. A las pruebas nos remitimos, basta con ver sus tremendas actuaciones.

Debido a la falta de presupuesto el rodaje se llevó a cabo en muy malas condiciones, se trabajó durante cinco semanas a seis días por semana y catorce horas al día. Y el escenario principal que vemos durante la película no era otra cosa que una funeraria abandonada, en cuya trastienda se hizo el despacho de Cabot. Y además al rodarse en verano tuvieron que soportar temperaturas cercanas a los 40 grados.
A esto debemos añadir los conflictos entre los productores y la insistencia de Tarantino por rodar las escenas varias veces cambiando pequeños detalles, lo que disparaba el presupuesto. Aunque a pesar de todas las desventuras por las que pasaron, el estreno del film de 99 minutos fue un rotundo éxito. Más en Europa que en América, llegando a estar 1 año en la cartelera de Norte América y 3 años en la de Londres.
Uno de los temas conmocionó a la opinión pública con el estreno de la película fue el uso supuestamente gratuito de la violencia,y del lenguaje mal sonante, concretamente 272 se dice la palabra fuck durante el film. Sello del estilo ‘’Tarantiniano’’ presente en casi todas, por no decir todas, sus películas. La violencia para los personajes aparece como algo cotidiano, que no les perturba lo más mínimo y a la cual están acostumbrados, de hecho muchas de las conversaciones tienen lugar mientras el Sr. Naranja agoniza en un charco de sangre a escasos metros, la película nos transmite inquietud ante la muerte de los personajes, mientras que éstos actúan casi como si no ocurriese nada.                                                                                                                        
 Reservoir Dogs fue considerada una de las películas más violentas de la historia, a pesar de que no hay demasiada violencia explícita, y ésta se palpa más en los actos que precisamente no enfoca la cámara.       Tarantino recuerda una anécdota respecto a esto: Cierto día en el que iba conduciendo por San Fernando Valley, sintonizó en la radio un comunicado en el que el Arzobispo católico de Los Ángeles condenaba la creciente violencia en las películas. Decía este hombre: "Mientras que la polémica sigue candente, nos llega ahora una película que supera a todas las anteriores en cuanto a violencia. Es tan violenta que docenas de espectadores han tenido que abandonar la sala en las primeras proyecciones’’ ‘’Reservoir Dogs es todo un festín de diálogos", protestaba Tarantino, "un grupo de tíos cotorreando entre ellos, y luego de cuando en cuando hay un poco de violencia". Tarantino añade también, refiriéndose a lo perniciosa que su película podría ser, que "incluso se podría considerar que Reservoir Dogs termina siendo muy moralizadora. Nunca intenté que fuera así, pero en cierto modo la película se amolda a lo que promulgaba el antiguo Código Hays. Puedes hacer lo que quieras en los primeros 88 minutos siempre que en los dos últimos haya algún tipo de castigo para lo que han hecho los personajes. No hice la película para transmitir nada de eso. De hecho, siempre pensé que si yo escribiera una historia de criminales, estos conseguirían al final salirse con la suya. Pero así simplemente no funcionaba bien".                                                                                                                                                                                                                                                             Sobre la violencia en Tarantino voy a mencionar al analista Unai Epelde que afirma que:’’ La violencia, aunque no es políticamente correcta, sí que es mucho más significativa que en otros films, en los que los personajes mueren instantáneamente de un disparo como si fueran malos de videojuego. En Reservoir Dogs, el Sr. Naranja recibe un disparo en el vientre y se pasa el resto de la película desangrándose en el suelo, con la cámara captando su agonía, su terror, sus alaridos. Alguien le echó en cara a Tarantino que en ese tipo de secuencias daba la impresión de que se divertía contemplando la violencia, como en la escena de la tortura del poli. Tarantino también opinaba al respecto: "Creo que yo le saco partido a la violencia en mis películas, y me divierto viéndola en el cine, pero la encuentro totalmente aborrecible en la vida real. Pienso que esto es totalmente justificable y posible. No creo que haya ninguna contradicción en ello. Me encanta esa escena, me encanta cómo funciona cinematográficamente, emocionalmente e interpretativamente. Para mí, es la escena más cinematográfica de toda la película". Y prosigue extendiéndose sobre la misma escena: <<Lo que más me enorgullece de la escena de la tortura en Reservoir Dogs... es el hecho de que es realmente divertida hasta el momento en que le corta la oreja. Cuando está ahí haciendo su pequeño numerito, bailando con el "Stuck in the middle with you", desafío a cualquiera a verlo y no divertirse... Y luego, cuando le corta la oreja, las cosas ya no son para reírse. El dolor del poli no está filmado como un chiste, sino como algo real. Y después, cuando vuelve a hacer sus chistes, cuando le habla a la oreja, vuelves a empezar a reírte. Así que tienes su frialdad y su baile, su jueguecito de hablarle a la oreja y el dolor del poli, todo ello junto y revuelto. Y por eso creo que la escena causó tanta sensación, porque no sabes cómo se supone que debes sentirte cuando la ves>>. ’’

Tras esta mención del análisis de Unai, cabe mencionarse también que en Reservoir Dogs otro de los sellos ‘’Tarantinianos’’ como es el vestuario de los personajes. La diseñadora de vestuario de Reservoir Dogs y Pulp Fiction fue Betsy Heimann, y es la responsable de que en multitud de películas de gánsters posteriores a éstas, e incluso en otros ámbitos como ciertos reporteros de televisión o cadenas comerciales de ropa la indumentaria se copiara y quedase incluso un tanto estereotipada.                                                                                                                                  
    El vestuario en Reservoir Dogs tiene una alta función simbolica, todos los ‘’Señores’’ visten de igual modo: Traje negro, camisa blanca y corbata oscura, así el espectador puede diferenciarlos fácilmente del resto de personajes. Por otro lado Cabot y su hijo no visten de una manera tan estereotipada, ni como grandes jefes, sino más bien un tanto horteras y poco acorde con su condición.                                          
 

El vestuario de los personajes principales actua como reflejo de su situación mental, al inicio todos están perfectamente maqueados, mientras que a medida que avanza la acción, la desconfianza crece en ellos y sus ropas ensangrentadas y arrugadas no tienen nada que ver con lo que eran.                                                                                      


 Y el último elemento del estilo de Tarantino que aparece muy marcado en la película es sin duda el musical, de hecho A Madonna – tema central del diálogo de apertura en Reservoir Dogs – le encantó la película, pero le reclamó a Tarantino su interpretación del hit “Like a Virgen”. Apenas se estrenó el film, le dio una copia de su álbum Erótica con un autógrafo que decía “Para Quentin. No se trata de penes, se trata de amor.” Y más allá de Madonna, es K-Billy, el ficticio locutor de radio de la película el que se encarga de transportar la cultura musical que marcó a Tarantino hasta la pantalla. Y una mención especial merece ‘’Stuck in the middle with you’’ asociada ya para siempre con la tortura del policía, y en la que se oye la letra de "PLEAAAASE!!!" justo en el momento en que el Sr. Rubio vuelve al almacén con intención de quemar vivo al policía.

 Otras de las canciones de los 70 que se usan en la película son: "Little Green Bag" de The George Baker Selection, el "Hooked on a Feeling" de Blue Suede, el "I Gotcha" de Joe Tex, el "Magic Carpet Ride" de Bedlam, y el "Fool for Love" de Sandy Rogers.                                                                    El papel de la música en el cine de Tarantino es fundamental: <<"Me encanta usar la música en las películas">>, explica Tarantino. <<"La Cabalgata de las Valkirias" ha estado ahí durante cientos de años, y desafío a cualquiera a no pensar en APOCALYPSE NOW cuando la oigan. Y cuando yo oigo los acordes iniciales del "Be my Baby" de los Ronettes, veo la cabeza de Harvey Keitel golpeando la almohada en MALAS CALLES. En Los Angeles hay un montón de emisoras retro, y suelen tener fines de semana especiales (el especial Motown, el especial Beatles), así que a mí se me ocurrió la idea de un super-especial de los setenta. No quería centrarlo en el rollo más serio (Led Zeppelin o Marvin Gaye), sino en ese rollo "bubblegum" super azucarado de los setenta. Primero, porque mucha gente lo considera aberrante, y segundo, porque yo crecí con él. Su dulzura, su forma de cautivarte, realmente ilumina una película tan grosera y dura como esta>>.
Y tras haber visto los componentes estéticos más llamativos del estilo de Quentin, vamos a reparar en el lugar donde recae gran parte de la magia de esta película, el guion y en lo innovador de una estructura diferente: no con saltos temporales como afirma la mayor parte de la crítica, sino con capítulos desordenados que, como un puzzle el espectador debe reconstruir, así lo afirma el propio Tarantino en una entrevista. Además el guion tiene repeticiones de escenas desde diferentes puntos de vista, influencia de Akira Kurosawa, elemento que elevaría a su máximo exponente en Pulp fiction, y que volvería a aparecer en Jackie Brown. Sobre esto Tarantino dice que: "Mucha gente me dice que Reservoir Dogs está construida como un rompecabezas (...). Pero en América todo debe ser lineal: si empiezas una escena al principio de una carrera, la acabas al final de la carrera (...). Prefiero lo que hace Sergio Leone en Erase una vez en América: primero las respuestas, después las preguntas".                                                                                                                          
 La atípica estructura hizo que mucha gente no estuviera segura de cuando ocurría exactamente cada secuencia de la historia, temporalidad que en ocasiones no se llega a especificar.

Pero sin duda, si alguna de estas piezas del puzzle de 99 minutos que Tarantino compone para el espectador está grabada en nuestras memorias, es en la que el Sr. Rubio rebana la oreja del policía torturado, posiblemente una de las mejores escenas de toda su filmografía. Si nos tomamos un momento para analizarla, observamos que en el preciso momento en que se va a producir el corte, la cámara se desvía hacia la rampa del almacén, y sobre ese plano oímos los gritos del policía, la voz del Sr. Rubio y la perfectamente elegida música de los Stealers Wheel. Tarantino consigue que el elemento principal de la acción de la secuencia más recordada de la película sea algo que no vemos. Bravo.                                                                                                    
Pero este elemento puede elevarse al máximo con el acontecimiento sobre el que gira la película, el atraco, del que tampoco se nos muestra ni un ápice a pesar de estar contemplando una historia completamente coherente y creíble en torno a él. Y solo con los diálogos y situaciones entre los personajes consigue reflejar el atraco prácticamente con la misma verosimilitud que si lo hubiéramos visto.                    
  Por esta habilidad Tarantino es llamado por multitud de  cineastas: ‘’maestro del silencio’’.

Pulp Fiction

Tarantino elaboró el guion de su película más laureada, Pulp Fiction, en Ámsterdam, durante los días de descanso que se tomó tras el estreno de Reservoir Dogs. Igual que el guion de ésta, también lo escribió a medias con Roger Avary. La idea principal del guion era la de narrar tres historias, cada una por un director diferente, aunque al final fueron cuatro las historias que aparecen en la película:  



La primera es el atraco que sirve de prólogo y epílogo a la vez que de marco temporal.                                                                                          
La segunda trama es la que sucede entre Samuel L. Jackson y Travolta, dos secuaces del mafioso Marcelus Wallace, que abarca desde la primera escena del diálogo sobre la ‘’Royale con queso’’ hasta el final de la película, con la curiosa relación de ‘’amor’’ entre Vincent Vega y la esposa de su jefe, Mia Wallace incluida.                            
La tercera  narra la historia del boxeador  Butch y del corredor de apuestas Marcellus Walas, en la cual ambos tienen un importante conflicto que es el eje de la acción                                                                
Y por último esta la cuarta trama que se usa de elemento de conexión y explicativo para aclarar las situaciones incoherentes que habíamos visto durante la película, como es el que Travolta y Jackson aparezcan en el local de Marcelus con ropa de playa.                                                                          

Continuando con el proceso de gestación del film, llegamos al momento en el que Tarantino decidió retomar el proyecto en solitario abarcando el solo la dirección de las tres historias. En ese instante nació la disputa entre Avary y Tarantino por la autoría del guion. Avary se atribuye toda la parte del guion de Bruce Willis, mientras que la versión de Tarantino afirma que solo escribió la secuencia en la que ‘’Butch’’ (Willis) le cuenta a su novia que harán con el dinero. A pesar de todo ambos recibieron el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA, por el mejor guion.

Pulp Fiction, al igual que Reservoir Dogs, comienza con una conversación entre ladrones en una cafetería americana, en éste prólogo se plantea el tono de la historia y tras la conversación los ladrones se levantan y atracan la cafetería al tiempo que aparecerá el título de la película, ligado en todas nuestras memorias a la canción más memorable de toda la banda sonora de la película. Y como epílogo se nos presentara la misma situación que servirá para contarnos el desenlace del atraco.
A partir de aquí veremos el enlace de las historias paralelas.
                                                     
En éste ir y venir de escenas no encontramos que el protagonismo de ningún personaje destaque por encima del resto, por lo que no seguimos una historia al uso de la mayoría de cine que se había hecho hasta la fecha. En Pulp Fiction seguimos simultáneamente la evolución de varios personajes principales que interaccionan entre sí.Y es éste ámbito donde reside la mayor parte de la magia de la película y del cine de Tarantino en sí. Los diálogos, gracias a los cuales los personajes establecen relaciones y el espectador llega a conocerlos. En ocasiones hablando de banalidades y en otras de temas tan abstractos como apariciones divinas, algunos recordados hasta la saciedad como el que mantienen Vincent y Jules sobre la importancia que tiene el darle un mansaje en los pies a la esposa del jefe.

La estructura temporal es extremadamente parecida a lo visto en Reservoir Dogs, se presentan varias tramas y escenas desordenadas que el espectador ha de interpretar y ordenar en su cabeza. El juego que realiza con esta serie de flashbacks y flasforward no tiene límite, llegando a asesinar a Vincent Vega en la mitad del film para hacerle reaparecer minutos más tarde en las siguientes escenas.
Las tramas, se encuentran divididas en capítulos, los cuales se unen con ‘’fundidos a negro’’ muy llamativos que indican al espectador un cambio total de la trama que ésta sucediendo en pantalla.
Otro de los elementos que no pueden pasarse por alto es la banda sonora, éste es uno de los apartados fílmicos que Tarantino más trata de cuidar al realizar sus películas. Las canciones elegidas concuerdan de manera completamente perfecta con lo que el espectador esta viendo, creando una gran armonía en el conjunto, y que sumada al uso del Pop art, de la violencia y  de las drogas en la historia, forman las huellas más icónicas de Tarantino en Pulp Fiction.
El rodaje de Pulp Fiction no fue sencillo, encontrando situaciones muy bizarras. Es el caso de la escena en la que Vincent y Mia están cenando, cuando en el restaurante anuncian un concurso de bailes y Mia le pide que participen. Dicha escena estuvo a punto de ser suprimida porque a Uma Thurman le entró una crisis de ansiedad, ya que no creía que pudiese estar a la altura de John Travolta en el baile.

Y dejando a un lado las curiosidades, la película está resuelta con unos movimientos de cámara que hacen al espectador meterse de lleno en la historia, muy rápidos en las secuencias de acción y pausados y largos en las más relajadas, recurriendo muchísimo al plano contra plano en las escenas de diálogo. En éste aspecto Tarantino no ‘’descubrio America’’ como se suele decir, pero sí que combino todos los elementos con muchísima maestría, creando una película que cambio el cine posterior y que actualmente es considerada por el público y la crítica una auténtica película de culto, y un mito del cine de los noventa.

Girl You'll be a woman soon, de Urge Overkill es uno de los temas de la banda sonora que mas se identifica con el filme, sin olvidar Punpkin and honey bunny de Misirlou.

Django

El nombre Django hace referencia a la película de 1966, spaghetti western protagonizado por Franco Nero, que curiosamente hace un cameo en esta cinta; En la ficha técnica de la película encontramos a Reginald Hudlin, Stacy Sher

Pilar Savone como principales productores, a Robert Richardson como director de fotografía y a Fred Raskin al cargo del montaje.

 La película está ambientada en los estados sureños esclavistas de los Estados Unidos del año 1858, y protagonizada por el esclavo "Django" (Jamie Foxx), que es liberado por el doctor alemán King Schultz (Cristoph Waltz),y con quien ya contó Tarantino en “Malditos Bastardos”, su presencia en las dos películas hace que sea una pieza muy importante en el desarrollo de la historia, ya que sin él y según Tarantino, pierden mucho valor e incluso no se podría ni hacer el film. Encarna el papel de un  cazarrecompensas que le pide ayuda para capturar a los hermanos Speck, bandidos por cuyas cabezas pagan una considerable recompensa y con los cuales Django trabajó anteriormente y guarda una cuenta pendiente. Schultz promete a Django que al finalizar el trabajo le dará su libertad y que le ayudará a rescatar a su esposa Broomhilda von Schaft (Kerry Washington), quien trabaja en la  plantación de algodón: Candyland, dirigida por el Monsieur Calvin Candie, un genial Leonardo Di Caprio..  Es así como comienza la historia de Django, conectada al épico mito germánico del héroe Siegfried rescatando a su doncella Brünnhilde, leyenda que el Dr. Schultz contará a Django en un punto del film.

Tal y como es típico del director norteamericano, Tarantino divide la trama en forma de episodios, aunque esta vez sin numerarlos, y curiosamente la actuación de Jamie Foxx no sobresale en ninguno de ellos.  Es Cristoph Waltz quien le roba el protagonismo en la primera parte en la segunda parte de la película, Django sigue en un segundo plano, siendo Leonardo DiCaprio y Samuel L. Jackson quien le roban protagonismo, DiCaprio Encaja muy bien en el papel de villano, y también Samuel L.Jackson, quien actúa como consejero leal de Candie, él es el verdadero villano de la historia, el negro y anciano mayordomo de Candyland. El clímax de la película llega en la parte final, donde se nos muestra un tiroteo cámara lenta al estilo 60s pero con mucha más sangre, que es firma indiscutible del director.

También mencionar la banda sonora del film que nos muestra piezas del gran Enio Morricone por tercera película de Tarantino consecutiva, la canción clásica de Django, muestras de Jazz y hasta piezas bien insertadas de hip hop. De entre estas piezas destaca el tema principal de la película, compuesto por Luis Bacalov. En general es una banda sonora muy completa, que encaja con todas sus escenas, sobre todo en los duelos que tiene Django.

Mención aparte merecen los muchos cameos que presenta la cinta, y entre el del legendario Franco Nero, podemos apreciar otros como el del propio Tarantino como un atontado y regordete comerciante de esclavos.

Al igual que el nazismo en ‘Malditos bastardos’, la esclavitud es un aspecto trascendental en ‘Django desencadenado’, algo de esperar ya que hay varios paralelismos entre ambas películas.

En cuanto a la técnica de la película, es una combinación de numerosos planos con mucha espectacularidad, paisajes típicos como las montañas nevadas, el pueblo de Texas, las plantaciones, el desierto del inicio de la película… También están presentes sus llamativos diálogos.

Jackie Brown

‘’Jackie Brown’’ se estrenó en 1997, y fue la tercera de las películas dirigidas por Tarantino. Se inspiró en la novela ‘’Rum Punch’’ del norteamericano Elmore Leonard para escribir el guion. Leonard participó como productor ejecutivo en “Jackie Brown” y el mismo resalta la gran fidelidad que tiene con su novela, pues llegan incluso a existir diálogos copiados textualmente de esta, y la estructura narrativa de ambas llega a ser muy similar.        
La película está concebida como: homenaje y reivindicación al género de películas de los años 70’s conocido como Blaxploitation: “películas de bajo presupuesto con un alto contenido de música soul y funk muy propia de esta época. Este tipo de películas también se caracterizan por contar con un elenco en su mayoría integrado por actores de raza negra y por estar dirigidas también para este tipo de público ubicado en ambientes urbanos, el género incluye temáticas diversas como acción, terror, venganza, entre otras.’’                                                                                                          
En la parte inicial de la película se presenta a los personajes relacionándose entre sí en situaciones cotidianas (Escenas en el apartamento de Melanie, la oficina de Max y las charlas entre Max y Jackie); esto nos deja conocer detalles específicos de los personajes, quienes son realmente, acercando más al espectador y dejando ver las motivaciones que tiene cada personaje para luego mostrar que sucede con cada uno al transcurrir la historia.
La película fue rodada en South Bay, Los Ángeles, lugar elegido por Tarantino, ya que al haberse criado allí pensó que podría sacar provecho de conocer perfectamente la zona.
El reparto está formado por varios actores que no se encontraban en su etapa más exitosa. Los personajes principales son interpretados por: Pam Grier (Jackie Brown), Samuel L. Jackson (Ordell Robbie, un traficante de armas que está involucrando a Louis en el negocio, Robert de Niro) Robert Forster (Max Cherry), Bridget Fonda (Melanie Ralston, trabaja para Ordell) y Michael Keaton (Ray Nicolette) entre otros.
La historia  comienza presentándonos a Jackie al ritmo de ‘’Across 110th Street’’, y desde ésta primera escena Tarantino resalta a la gran protagonista, a la cual muestra según sus palabras como una mujer que: “pasa de una figura de heroína mítica a caer de nuevo a la tierra y al siguiente momento estar sirviendo maní”.
La historia comienza cuando Beaumont, un empleado de Ordell, es atrapado por la policía y lo llama pidiendo ayuda, el paga su fianza para sacarlo de la cárcel a través del agente de fianzas Max Cherry para posteriormente asesinar al mismo Beaumont por temor a que lo delate a la policía. A continuación Jackie también es atrapada intentando ingresar dinero desde México para Ordell a través de su trabajo como azafata. Ordell recure nuevamente a Max para pagar su fianza y esto se lleva a cabo pero Max se interesa por Jackie y al conocer su historia le aconseja cooperar con la policía. Jackie acepta y a partir de aquí tratan de construir una trampa para atrapar a Ordell con las manos en la masa.
La historia pretende involucrar al espectador en una trama de movimientos a doble interés que muestran una aparente manipulación entre los personajes y que surgen como resultado de tener a una mujer de un carácter muy fuerte en una situación desesperada. Este es el tema principal que se presenta en la película, y es la astucia y la fortaleza de Jackie para superar todas las dificultades que se le van presentando y salir perfectamente bien librada e incluso obtener un beneficio de su situación.
En cuanto a los conceptos audiovisuales, hablaremos de todos ellos. En primer lugar de la banda sonora, Tarantino juega mucho con ella aumentando o disminuyendo el volumen, pausando y reanudando la música según como lo ve adecuado. Además la música siempre aparece en la película reproducida por un elemento visible para el espectador como una radio o un casete. La música también sirve como elemento de conexión para la relación que tienen Max y Jackie, y de hecho en una de sus conversaciones aparece la banda “The Delfonics”, de la cual hablaran repetidamente durante la película.

Tarantino cambia en algunos sentidos su estilo si comparamos ésta película con ‘’Pulp Fiction’’ y ‘’Reservoir Dogs’’, en ‘’Jackie Brown’’ las escenas transcurren más lentamente, y la sangre y la violencia no es tan explícita dejando los asesinatos casi siempre fuera de cuadro. Pero en otros muchos factores sí que comparte la esencia del director: Los movimientos de cámara son muy dinámicos, moviendo constantemente el cuadro de la escena y realizando movimientos al seguir a los personajes dejando como resultado largas escenas y secuencias  con una sola cámara. Otro detalle característico de Tarantino y que da unidad a la película es el uso de muchos planos en detalle (objetos, manos), y primerísimo primer plano.
En cuanto a la estructura narrativa es más lineal que las dos películas anteriores, aunque el clímax de la película se nos narra con los ya típicos diferentes puntos de vista de una misma escena por los diferentes personajes, aportando un poco más de información en cada una de las versiones que vemos, y llevándonos hacia un sorprendente final recordado por todos los espectadores.
Como curiosidades, en Jackie Brown aparecen varias referencias a otras películas:    -Uno de los trajes que Pam Grier compra en Jackie Brown es el mismo que el personaje de Mia Wallace llevaba en Pulp Fiction                                                                                                                
 -Otra referencia a Pulp Fiction en Jackie Brown aparece cuando Pam Grier se alimenta con comida de Teriyaki Donut, el mismo lugar en el que compra comida Marcellus Wallace.

Malditos Bastardos

Malditos Bastardos es el nombre de la “gran superproducción” que Tarantino tenía en la cabeza desde antes de empezar el guion de “Kill Bill Vo.1”pero no encontraba un final que le gustase y lo dejo aparcado, por eso no fue hasta 2009 cuando este proyecto vio la luz en las pantallas de cine. El productor como en todas las películas de Tarantino fue Lawrence Bender, el director de fotografía Robert Richardson, el encargado de montaje Sally Menke. Y también aparece el omnipresente Samuel.L Jackson representando la voz del narrador.
 El propio Tarantino se atreve a reconocer sus fuentes de inspiración: define “Malditos Bastardos” como un batiburrillo de géneros donde predomina la influencia del spaghetti-western, similar al que practicara su venerado Sergio Leone, con la particularidad de que se ambienta en la II Guerra Mundial, inspirado en el film italiano “Aquel Tren Blindado” (E. Castellari, 1978) al que se hace alusión en los créditos finales. Es obvio, que no estamos ante un film bélico con rigor histórico, sino ante el ambicioso e ingenuo deseo de un director que hubiera preferido una contienda de aires más cool (Es la palabra favorita de Tarantino, según declaró en una reciente entrevista a la revista española “SOFILM”). La combinación de realidad con ficción, tanto en los personajes como en la reconstrucción de la historia nos hará presenciar los hechos acontecidos durante el tercer Reich de una manera muy diferente, con un final sorprendente incluido. Éste factor provocó que Tarantino fuese criticado por tomarse algo tan serio como el Holocausto nazi “muy a la ligera”, empleando solo el contexto para hacer una película a su gusto y sin profundizar en absoluto en él, sin reflejar en pantalla la realidad. Tarantino contesto tajantemente  estas críticas afirmando que el cine, es cine, una ficción de la cual se aprovecha el director para contar la historia que a él le plazca. Además declaró muy convencido: “La historia no sucedió como se narra en “Malditos Bastardos” por el simple hecho de que mis personajes no existieron. Pero si los Bastardos hubieran existido, estoy convencido de que la historia se habría desarrollado tal y como yo la narro”. Tarantino apuntó que la idea que podría resumir la cinta en  "el cine como elemento capaz de cambiar la Historia al acabar con el III Reich". 

Las alabanzas a las conversaciones de las películas de Tarantino, han derivado ya en un tópico, pero las que acontecen en este trabajo, la trivialidad de los diálogos desaparece, reemplazada por un tono más mordaz, trascendente y expresivo, eso sí, enmarcadas en esas amplias escenas marca de la casa. Este es uno de los apreciables rasgos que evidencian un cambio de estilo en la puesta en escena del autor, por otro lado, tan espectacular como en el resto de su filmografía.
El crítico Adrian Martin señaló que, desde el 11-S, el tema de la venganza ha acaparado todos los trabajos del cineasta, convirtiéndose en su gran obsesión argumental. En este caso, igual que en “Kill Bill” el título enfoca el sentimiento de vendetta en un comando de soldados del bando aliado conocidos por los nazis con el apodo de "los Bastardos", cuya misión consiste en masacrar sin piedad a los causantes del holocausto judío. La exageración en el papel de su líder, un Brad Pitt con la mandíbula desencajada y una cicatriz en el cuello llamado Aldo Raine, teniente segundo de las Fuerzas Especiales Americanas, es conocido también como "El apache" por su afición a rebanar cabelleras al estilo de aquellos indios. Aldo además es nativo de Tennessee, lugar de nacimiento de Quentin Tarantino y origen de muchos de sus personajes: Butch Coolidge, Zed y Maynard en “Pulp Fiction”, el sheriff Earl McGraw y Budd en “Kill Bill” y Stuntman Mike en “Death Proof”.                                  

El nombre de Aldo Raine es un homenaje a uno de los actores favoritos de Quentin Tarantino: Aldo Ray, un habitual de películas "explotation". El apellido "Raine" es un homenaje al personaje principal "Charles Rane" de la película “Operación Rolling Thunder”, otra de las favoritas del director.                                                           
La directora de casting Johanna Ray que trabajó en “Kill Bill” y en “Malditos Bastardos”, estuvo casada con Aldo Ray 1960-67.                              
Sin embargo la perfección interpretativa en este film la alcanza la actuación de Christoph Waltz, como el imprevisible y políglota coronel de las SS Hans Landa. Se trata de un cazador profesional de judíos durante la Segunda Guerra Mundial inspirado en los típicos cazadores de recompensas del spaghetti Western como el Coronel Douglas Mortimer, de La Muerte Tenía un Precio de Sergio Leone. En esa película, Mortimer era un astuto cazador de recompensas que, al igual que Landa también fumaba en pipa. La secuencia de inicio es claramente una escena inspirada en estas películas italo-americanas de género.                                                                                  
El Cazajudíos, que se encarga de regalar unas magníficas lecciones de interpretación mediante velocísimos cambios de expresión que denotan una abrumadora sangre fría
La rencorosa cuadrilla se pone a la altura de la insensibilidad y la desfachatez nazi con un ensañamiento heredado de los indios americanos y su afán por coleccionar las cabelleras de sus enemigos. Pese a ello, "los Bastardos" consiguen simpatizar con el público en la primera fracción de la película, gracias al humor gestual, pero sin previo aviso, se echan en falta durante buena parte del metraje, apenas habiendo visto una minúscula porción de sus hazañas, como ocurría con los matones Vincent y Jules en “Pulp Fiction”. Esta decepción se torna ansiedad en la secuencia del empalagoso cortejo de Brühl a la dueña de la sala de cine, Shossana Dreyfus. Durante el estreno de “El Orgullo de la Nación” puede verse como Goebbels presenta a Shosanna al gran actor alemán Emil Jannings. Jannings fue efectivamente uno de los más grandes actores del cine alemán y mundial en los años previos a la guerra. Fue el primer actor que ganó un Oscar, en la primera edición de estos premios en 1928, por su magistral interpretación en “La última Orden”.
La joven judía es, la verdadera protagonista de la cinta: su afán de femenina revancha hacia el hombre que fusiló a su familia, está heredado del sadismo del corazón herido de La Novia en “Kill Bill”.
La película como todas las de Quentin está dividida en capítulos bien diferenciados y numerados, pero no es lo único que tiene en común con el resto de sus producciones, el film como nos tiene bien acostumbrados el director americano también cuenta con una banda sonora de sobresaliente, y repite aparición en la mayor parte de la banda sonora el mítico Ennio Morricone, capaz de dotar a las imágenes de una expresividad inaudita con sus partituras.
El vestuario y la ambientación de la película son los propios de una superproducción, sobresalientes. Los uniformes son todos idénticos a los que empleaban los aliados y los nazis durante la segunda Guerra Mundial.                     
Tarantino usa el vestuario de Shossana para hacerla destacar en el tramo final de la película con un vestido completamente rojo, al igual que sus labios, color que guarda paralelismo con el fuego donde pretende calcinar a todos los altos miembros de las SS y con el de la bandera Nazi. Además la hace destacar en pantalla en contraposición de las vestimentas oscuras de los asistentes al estreno de la película.                                                  

Por otro lado los movimientos de cámara y encuadres son los ya reiterados en toda su filmografía: Steady cam continuamente, planos muy largos, y contra planos en las conversaciones. Además de los planos generales en los que se abarca a toda una sección de personajes en pantalla como sucede cuando se nos presenta a los bastardos, donde el general aparece combinando con un travelling en primer plano de las caras de todos ellos. Demás igual que en Kill Bill los pies tienen un papel casi fetichista, sobre todo los personajes femeninos.



Os dejamos también una entrevista de la revista Sensacine  Quentin Tarantino a propósito de esta película
https://www.youtube.com/watch?v=nHxzDyo0uCo

Los primeros compases de la vida de un genio.

Quentin Jerome Tarantino, nombre que hace referencia a un personaje de ´´Gunsmoke’’ Nació en Knoxville, Tennessee en 1963, hijo de Tony Tarantino y Connie McHugh. Y mostró desde muy pequeño un gran interés por el séptimo arte.

Fue criado por su madre con la que se mudó a los dos años a Los Ángeles, y donde durante su infancia acudió a clases de teatro. Vivió en un barrio  multirracial, Harbor City, donde adquirió influencias cinematográficas y culturales muy variadas, siendo Las películas de artes marciales el sello más visible en su cine posterior heredado de esta etapa.

 Quentin fue muy mal estudiante y después de estar un año en la escuela superior de Narbonne decidió abandonarla y dedicarse por completo a a tomar clases de actuación en la James Best Theater Company en Toluka lake.

A los 22 años comenzó a trabajar en el videoclub ‘’Video Archives’’ en Manhattan Beach, allí sus conocimientos de películas antigüas le fueron muy útiles y además coincidió con otros entusiastas del cine como Jerry Martínez o Roger Avary, que más tarde colaboraría con Quentin en varios de sus guiones (Reservoir Dogs y Pulp Fiction), con ellos convirtió aquel videoclub en una escuela de cine improvisada. Tarantino mostraba mucho interés en los tipos de película que le gustaba alquilar a la gente y ha establecido esta experiencia como algo muy valioso en su posterior carrera como director, llegando a decir que: ‘’Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, no, fui al cine’’.

Pronto empezó a escribir guiones con Avary y también para sus clases de interpretación buscando mejorar al máximo esta faceta suya.

Y así empezó a forjarse el director que ahora es reconocido mundialmente, incluso por un sector como director de culto.

Tarantino describe así su mundo particular:

Cartel de una B-movie de los 70

“Yo crecí en los años 70, el último baluarte de las películas de explotación en USA, las B-movies. Tuvimos la suerte de descubrirlas en las salas de la época... Cerca de mi casa, en South Bay, había un cine especializado en programas dobles, el Carson Twin Cinema. Ponían todas las películas, y cuando los empresarios no conseguían nada, iban a un arrendador, a buscar películas de Kung-Fu o blaxploitations como BLACK COFFEE, LA PANTERA DE HARLEM, COOLIE HIGH... ¡Cuando realmente necesitaban dinero programaban juntas EL FUROR DEL DRAGON y LOS CINCO DEDOS MORTALES DE KUNG-FU! Yo me quedaba ahí colgado todo el día. Algunas semanas hacían el negocio sólo conmigo. Por lo demás es cierto que me encantan los comics. Mi héroe favorito era LUKE CAGE, HERO FOR HIRE, un superhéroe negro salido de los setenta. Es realmente mi cultura. América es eso: cafeterías abiertas 24 horas al día donde te sirven café toda la noche, la Coca-Cola, los burguers, los comics, las B-movies. Se podría discutir horas sobre si esas cosas son realmente buenas pero, para mí, se lo aseguro: ¡es genial!”.